Leon Battista Alberti: Iglesia de San Sebastiano (1460), Mantua.

Leon Battista Alberti: Iglesia de San Sebastiano (1460), Mantua.

-Análisis Formal o Estilístico:   Alberti, atendiendo a modelos antiguos, como el Mausoleo de Teodorico de Rávena, ideó una iglesia de planta centralizada con dos alturas, la superior coronado por una gran cúpula, la cual acentuaba su planta central pero nunca llegó a realizarse, y la inferior de tres naves separadas por dos filas de pilares. La fachada es un frontón plano articulado mediante cuatro pilastras; las ventanas abren el muro al centro. Posee una estructura muy compleja, nunca terminada, y atravesada por varias restauraciones modernas.

-Análisis Biográfico:  Al servicio del duque de Mantua, Ludovico Gonzaga, Alberti construyó la Iglesia de San Sebastiano (iniciada en 1460), la cual, como un gran número de edificios renacentistas, ha sido muy transformada en épocas posteriores, sufriendo la última de las intervenciones en nuestro propio siglo (1925), lo cual hace difícil apreciar el pensamiento original del arquitecto, fue un arquitecto, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las figuras artísticas más polifacéticas del Renacimiento.

Alberti pertenece a la segunda generación de artistas del Renacimiento, de la que fue una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los
diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.

El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: “…el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos”. Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.

La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini…

Leon Battista Alberti: Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini (1447-1450)

Leon Battista Alberti: Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini (1447-1450)

-Análisis de Contexto Sociológico: El Tempio Malatestiano (en italiano: Tempio Malatestian), llamado así por ser el templo de la familia Malatesta, es la catedral de Rímini, Italia. Oficialmente lleva el título de San Francisco, pero coge el nombre de Segismundo Pandolfo Malatesta, quien encargó la construcción de este edificio al arquitecto renacentista Leon Battista Alberti por el año 1450.

-Análisis Simbólico:  no se había proyectado ningún símbolo cristiano, cosa inaudita en aquellos tiempos. En la estructura original no estaba prevista ninguna cruz, ni la presencia de ninguna imagen sagrada. De ahí la denominación detemplo, a modo de los antiguos templos paganos.

-Análisis  Iconográfico:  uno de los móviles del patronazgo de Sigismondo fue la celebración de sí mismo y de su poder como  signore de Rimini  –y por ende la legitimación de sus aspiraciones a una expansión de sus dominios—, donde más patente se hace tal intención de autoafirmación y de propaganda es en el edificio que el arquitecto florentino Leon Battista Alberti diseñó para él hacia 1450.

-Significado Ideológico:  En los primeros pilares de los lados del templo, dos lápidas con inscripciones en griego afirman que Sigismondo erigió el templo en cumplimiento de un voto realizado durante las guerras itálicas, es decir en acción de gracias. La dedicación al dios inmortal y a la  ciudad combinaría la piedad y la devoción del señor y la intención cívica del edificio.

-Análisis Formal o Estilístico:  Las esculturas y bajorrelieves son probablemente obra de Agostino di Duccio. Participaron en la obra, en diversos grados, Matteo De' Pasti, Roberto Valturio, Basinio di Parma y Piero della Francesca, del que se conserva en el interior del edificio un fresco representando a Segismundo Pandolfo Malatesta rezando delante de la imagen de San Segismundo, un antepasado suyo. En el interior del edificio las obras comenzaron 5 ó 6 años antes del proyecto de Alberti para la fachada. La extraordinaria profusión, en el exterior y en el interior de la iglesia, de símbolos y emblemas tanto de la familia Malatesta como del propio Sigismondo hacen del templo de Rimini un edificio inequívocamente ligado a la figura de su patrono. La referencia a  tipologías y motivos decorativos de la arquitectura imperial romana refuerzan esta vinculación con el señor de Rimini y su intención auto-celebrativa

-Análisis Biográfico:  La estructura proyectada por el genio genovés no fue completada. El proyecto contemplaba la realización de una cúpula, de grandes dimensiones, a semejanza de la del Panteón de Roma. Al parecer la intención era que se convirtiera en la mayor cúpula de Italia, superando a la de Santa María del Fiore de Florencia. Sin embargo nunca se llegó a realizar debido a problemas económicos.

ARTE RENACIMIENTO : Leon Battista Alberti: Santa María Novella (1456-70), Florencia

-Análisis de Contexto Sociológico:  Florencia, los frailes dominicos cultivando sus huertas; hierbas oficinales que servían después para preparar medicamentos, bálsamos y pomadas para la pequeña enfermería del Convento… Y de ahí surgió una de las más antiguas farmacias: la Officina Profumo Farmacéutica di Santa María Novella, debiendo su nombre a la bellísima plaza de la que es adyacente. Sucesivamente fue propagándose la fama de los ‘ungüentos’ que preparaban estos frailes, hasta que se decidió abrir las puertas de la farmacia al público. 
Cada uno de los productos elaborados tiene su propia biografía; de aquí surgió, por ejemplo, la esencia estudiada y elaborada ex profeso para la reina de Francia, Caterina dei Medici, el ‘Acqua della Regina’ que aún hoy sigue elaborándose con los mismos ingredientes originales, siendo uno de los productos emblema de la firma.

Con materias primas de la más alta calidad y los mismos procedimientos artesanos de antaño, siguen hoy creando sus productos, a base de hierbas y lípidos de origen natural,jabones impresos y envueltos a mano, técnicas ancestrales y minuciosamente experimentadas, sin añadidos químicos ni sustancias sintéticas. 

Santa María Novella de Madrid, es una tiendita pequeñita, casi se puede decir que según entras ya te has salido… pero su olor… (humm) huele a naturaleza, a hierbas, a ‘sano’. A pesar de sus reducidas dimensiones, sus estanterías albergan infinidad de productos, todos ellos interesantes, a saber: perfumes naturales elaborados con flores y fijación natural; jabones de auténtica leche, de aceite de oliva, de azufre, de menta…; leches corporales; agua de rosas; polvos de arroz para la cara; crema a la miel para el cabello; tintura de mirra para las encías… Hagamos una reverencia a la naturaleza.

-Análisis Formal o Estilístico:  La fachada consta de dos volutas que unen el cuerpo central con los laterales, dando así proporción y armonía a la obra, que al fin y al cabo, es la característica principal del renacimiento. El empleo de un frontón clásico es otro elemento tomado del repertorio ofrecido por la Antigüedad, repertorio que Alberti reelaboró siempre con gran libertad. La relación armónica entre el ancho cuerpo inferior y el, mucho más estrecho, cuerpo superior de esta fachada, la resolvió el arquitecto con las dos volutas ya mencionadas, motivo de gran repercusión en la arquitectura religiosa del siglo XVI. Se puede observar el empleo de muchas formas geométricas en la obra, como los cuadrados que hay entre las pilastras de la parte superior de la fachada; círculos, como los que hay en las volutas y en el frontón, etc. Para Alberti, las formas geométricas, impulsan a meditar sobre las verdades de la fe, idea que anticipa las corrientes estéticas neoplatónicas que serán dominantes en la cultura florentina, ya que demuestra cómo las formas visibles son portadores de significaciones ideológicas precisas y porque la incrustación geométrica realiza el ideal de la reducción de la forma al puro "diseño". La fachada tiene un arco de medio punto característico de la arquitectura clásica. En el semicírculo delimitado por los capiteles de las pilastras y el arco de medio punto, hay representada una moldura con una escena religiosa, como se aprecia en la foto adjunta. Al mismo tiempo, la combinación de rectángulos y los materiales empleados, de acuerdo con la tradición medieval florentina, prestan particular belleza al conjunto.Se recuperan las superficies con incrustaciones geométricas del románico florentino, de San Miniato por ejemplo, pensando quizás que el románico florentino era la última expresión o la primera joya renacida de lo "clásico". Pero elabora el tema románico a partir de los principios, deducidos de Vitruvio, de la composición modular, asumiendo como módulo compositivo el cuadrado. Se puede apreciar la intención de resaltar el portón de la iglesia por la colocación de múltiples elementos decorativos:

§  Pilastras que dan estética y proporción al espacio ocupado por el portón.

§  El arco de medio punto que le da estabilidad y lo dota de armonía y belleza.

§  La colocación de molduras de color marrón oscuro con formas irregulares alrededor del portón consigue contrastarlo con las otras formas ya mencionadas.

§  La colocación final de dos grandes pilastras de mármol verde de capitel corintio encuadra todo los recursos decorativos del portón al conjunto de la fachada.

§  Cerca de la base de la fachada se encuentran diversos arcos apuntados adornados con mármol blanco y rojo alternativamente. Esto hace a la obra más proporcionada, ya que si no existieran dichos arcos, la obra quedaría similar a un bloque gigantesco de mármol, de esta forma, se consigue hacer a la obra más proporcional, más humana.

§  En la cumbre tenemos una cruz latina hecha de un núcleo de hierro y recubierta de oro puro.

-Análisis Biográfico:  En el siglo IX existía un pequeño oratorio dedicado a Santa María de la Viña, y sobre él se levantó, en 1049, la iglesia de Santa María Novella, concedida, en 1221, a doce frailesdominicos, quienes, guiados por Fray Giovanni da Salerno habían llegado a la ciudad provenientes de Bolonia dos años antes. La ampliación de la iglesia comenzó en 1279, y fue proyectada por Fray Sisto de Florencia, Fra Jacopo Pasavanti y Fray Ristoro de Campi. Se terminó a mediados del siglo XIII y fue consagrada por el Papa Eugenio IV en 1420.

Arte Gótico: Díptico de Melum.

-Análisis Sensorial: En esta imagen se puede ver una reina muy educada e importante al lado de su pequeño hijo entre ellos dos se ve un sentido de protección por parte de su madre bastante grande y su figura es muy imponente

-Análisis de Contexto Sociológico: El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

-Análisis Simbólico: Aparece como una mujer muy hermosa y elegante, de piel blanca y perfecta, frente muy ancha y con corona de perlas y pedrería sujetando un velo transparente. Lleva una capa de armiño y un traje de seda gris, mostrando el pecho izquierdo perfectamente esférico, imagen que tiene que ver con el papel de María como nodriza de la humanidad. Sostiene al niño desnudo sobre su rodilla izquierda. El trono sobre el que se sienta está decorado con ágatas,perlas y piedras preciosas. Rodean el trono nueve ángeles, dispuestos de forma que cada rostro está en posición diferente, los azules son querubines y los rojos son serafines, según decían los Padres de la Iglesia; se considera que la elección de estos colores para los ángeles es influencia de Fra Angelico.

-Análisis  Iconográfico: La tabla de la Virgen, en cambio, es un vivo ejemplo del llamado estilo gótico internacional iniciado por los Hermanos Limbourg, en el que se mezcla el preciosismo cromático de la escuela de Siena y el espíritu caballeresco francés. Las señas de identidad del estilo están presentes en esta tabla de Fouquet: la utilización de colores brillantes y llamativos; las formas estilizadas y suaves, en las que la curva, así como los ritmos ondulantes y retorcidos se prefieren a las sensaciones volumétricas; y la influencia de la miniatura, que se constata en el detallismo y minuciosidad de las representaciones, y que aquí se percibe en la magnífica corona y el trono de la Virgen, adornado con perlas, gemas y láminas de ónice.

-Significado Ideológico:  no se expresa muy bien el significado de la virgen con el niño, mas bien si no fuera por elos angeles a sus espaldas nose tendría ningún sentido de divinidad celestial.

-Análisis Formal o Estilístico:  Está realizado sobre madera, y fue pintado hacia 1450. Mide 91 cm de alto y 81 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes 

-Análisis Biográfico: Fue encargada por Étienne Chevalier, caballero de la corte del rey Carlos VII de Francia. Fouquet acababa de regresar de un viaje a Italia en el que conoció la obra de Fra Angelico y Piero della Francesca. En esta misma época, el noble francés le encargó un "Libro de Horas". El Díptico se dispuso en la capilla funeraria de Agnès Sorel en la catedral de Melun, con la intención de facilitar la entrada de la misma en el Reino Celestial.

Durante la Revolución francesa, los dos paneles se separaron y se vendieron. Actualmente, la tabla izquierda se encuentra en la Gemäldegalerie de Berlín, mientras que la de la derecha se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Amberes. Del díptico procede también un pequeño tondo con el autorretrato del artista, ahora en el Louvre.

El mejor pintor francés de su época y uno de los más grandes de Francia es seguramente Jean Fouquet. Artista de múltiples actividades ejerció como tal y como magnífico miniaturista. Viajero por Italia, tuvo la ocasión de conocer el renacimiento y en su obra se pone de manifiesto el entrecruce de lenguajes. 
En el Díptico de Melun (Museo de Berlín y de Amberes), pintado hacia 1450, Fouquet retrata a Etienne Chevalier acompañado de su santo patrón arrodillado ante una Virgen con el Niño de equívoco erotismo aumentado por la leyenda que veía en ella un retrato de la amante del rey Carlos VII. Las diferencias entre ambas tablas, entre lo terreno y lo sagrado, son evidentes hasta en el color, pero queda esa impresión poco clara del pecho desnudo de María.

Arte Carolingio: Figurilla de Bronce de Carlo Magno

Arte Carolingio: Figurilla de Bronce de Carlo Magno

-Análisis Sensorial: en esta imagen se puede observar a un rey saliendo de una batalla o en un desfile con todo su honor sobre su caballo de una forma grande e imperial.

-Análisis de Contexto Sociológico: Cuando nos referimos al arte carolingio entendido como efecto de una renovación y un período de esplendor. Abarca desde mediados del siglo VIII a mediados del IX. Se consideró a los artistas como imitadores y reproductores de lo romano. Los especialistas tienen muchas veces serias dudas a la hora de distinguir entre una creación o una copia carolingia.

El arte carolingio surgió y se desarrolló en función de una sociedad que ideológicamente exigía una supeditación a los modelos romanos.

-Análisis Simbólico:  Los monarcas carolingios sintieron fascinación por la imagen ecuestre de los emperadores romanos, era una representación mayestática y triunfante que no dudaron en utilizar. Un pequeño bronce, conservado en el Louvre, nos muestra la imagen ideal de un emperador carolingio con vestiduras y símbolos de gala.

-Significado Ideológico: Se expresa muy bien la grandeza y soberanía que tenia Carlo Magno en especial en su pose y sobre su caballo se lo ve muy fuerte y decidido tal como quisiera este que fuera representado

-Análisis Formal o Estilístico: Los temas son geométricos y de gran sencillez

-Análisis Biográfico: La pequeña estatuita de bronce que se supone representa a Carlomagno tiene singular valor, pues no se conocen otras figuras de bulto completo Se ha discutido mucho sobre la fecha en que fue realizada esta figura, algunos historiadores apuntan a que se trata de la representación de un sucesor de Carlomagno, otros creen que la obra no es anterior al siglo XVI. Fue en 1935, tras numerosos estudios, cuando se concluyó que el caballo es grecorromano, el cuerpo del jinete bizantino y la cabeza carolingia. Gracias a la biografía que Eginardo escribió sobre Carlomagno, sabemos cual era la fisonomía del emperador: a pesar de la que comúnmente se cree, no llevaba barba , pero sí un largo bigote. Era un hombre alto y corpulento y vestía con sencillez, sin lujos ni ostentaciones

Arte Bizantino: Cristo bendecidor

Arte Bizantino: Cristo bendecidor

-Análisis Sensorial: Esta imagen da un contexto muy fuerte y una imagen impotente sobre el Dios que conocemos los Cristianos, dando la bendición a la vez que de esta forma transfiere mucha paz

-Análisis de Contexto Sociológico: El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI, fuertemente enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos, Bizancio se consideró como el continuador natural, en los países del Mediterráneo oriental, del Imperio romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política. La pintura y los mosaicos bizantinos, más que su escultura, han tenido una singular importancia en la historia de las formas de representación plástica, por cuanto que han servido de puente a los modelos cristianos orientales hacia Europa, así como a la transmisión de las formas clásicas cuando en Occidente había desaparecido por la acción de los pueblos bárbaros, y por último, el arte bizantino ha sido la fuente principal en la fijación de la iconografía occidental

-Análisis Simbólico:  con el término pantocrátor se designa la imagen con que se representa al Todopoderoso, Padre e Hijo, es decir, Creador y Redentor. La figura, siempre mayestática, muestra a una u otra persona divina en similar actitud: con la mano diestra levantada para impartir la bendición y teniendo en la izquierda los Evangelios o las Sagradas Escrituras. 

-Análisis  Iconográfico: se trata del Padre, sostiene en sus rodillas a Cristo hijo.

-Significado Ideológico: Con pequeños trazos y siemples figuras se puede obtener una imagen muy fuerte por lo cual se cumple el deseo de promover la fuerza de un ser supremo solo al verla se siente esta fuerza y su bendicion

-Análisis Formal o Estilístico: Jesús rodeado de un aura de luz blanca (que simboliza la pureza), y se encuentra con las piernas cruzadas. En una de las manos tiene el dedo índice levantado y en la otra mano las Sagradas Escrituras. Se sitúa en el interior de una almentra (es decir, de un dibujo ovoidal) y está rodeado de los cuatro evangelistas u ocepas, uno en cada esquina. Esta imagen denota temor, mando e incluso miedo.