Arte Gótico: Díptico de Melum.

-Análisis Sensorial: En esta imagen se puede ver una reina muy educada e importante al lado de su pequeño hijo entre ellos dos se ve un sentido de protección por parte de su madre bastante grande y su figura es muy imponente

-Análisis de Contexto Sociológico: El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

-Análisis Simbólico: Aparece como una mujer muy hermosa y elegante, de piel blanca y perfecta, frente muy ancha y con corona de perlas y pedrería sujetando un velo transparente. Lleva una capa de armiño y un traje de seda gris, mostrando el pecho izquierdo perfectamente esférico, imagen que tiene que ver con el papel de María como nodriza de la humanidad. Sostiene al niño desnudo sobre su rodilla izquierda. El trono sobre el que se sienta está decorado con ágatas,perlas y piedras preciosas. Rodean el trono nueve ángeles, dispuestos de forma que cada rostro está en posición diferente, los azules son querubines y los rojos son serafines, según decían los Padres de la Iglesia; se considera que la elección de estos colores para los ángeles es influencia de Fra Angelico.

-Análisis  Iconográfico: La tabla de la Virgen, en cambio, es un vivo ejemplo del llamado estilo gótico internacional iniciado por los Hermanos Limbourg, en el que se mezcla el preciosismo cromático de la escuela de Siena y el espíritu caballeresco francés. Las señas de identidad del estilo están presentes en esta tabla de Fouquet: la utilización de colores brillantes y llamativos; las formas estilizadas y suaves, en las que la curva, así como los ritmos ondulantes y retorcidos se prefieren a las sensaciones volumétricas; y la influencia de la miniatura, que se constata en el detallismo y minuciosidad de las representaciones, y que aquí se percibe en la magnífica corona y el trono de la Virgen, adornado con perlas, gemas y láminas de ónice.

-Significado Ideológico:  no se expresa muy bien el significado de la virgen con el niño, mas bien si no fuera por elos angeles a sus espaldas nose tendría ningún sentido de divinidad celestial.

-Análisis Formal o Estilístico:  Está realizado sobre madera, y fue pintado hacia 1450. Mide 91 cm de alto y 81 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes 

-Análisis Biográfico: Fue encargada por Étienne Chevalier, caballero de la corte del rey Carlos VII de Francia. Fouquet acababa de regresar de un viaje a Italia en el que conoció la obra de Fra Angelico y Piero della Francesca. En esta misma época, el noble francés le encargó un "Libro de Horas". El Díptico se dispuso en la capilla funeraria de Agnès Sorel en la catedral de Melun, con la intención de facilitar la entrada de la misma en el Reino Celestial.

Durante la Revolución francesa, los dos paneles se separaron y se vendieron. Actualmente, la tabla izquierda se encuentra en la Gemäldegalerie de Berlín, mientras que la de la derecha se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Amberes. Del díptico procede también un pequeño tondo con el autorretrato del artista, ahora en el Louvre.

El mejor pintor francés de su época y uno de los más grandes de Francia es seguramente Jean Fouquet. Artista de múltiples actividades ejerció como tal y como magnífico miniaturista. Viajero por Italia, tuvo la ocasión de conocer el renacimiento y en su obra se pone de manifiesto el entrecruce de lenguajes. 
En el Díptico de Melun (Museo de Berlín y de Amberes), pintado hacia 1450, Fouquet retrata a Etienne Chevalier acompañado de su santo patrón arrodillado ante una Virgen con el Niño de equívoco erotismo aumentado por la leyenda que veía en ella un retrato de la amante del rey Carlos VII. Las diferencias entre ambas tablas, entre lo terreno y lo sagrado, son evidentes hasta en el color, pero queda esa impresión poco clara del pecho desnudo de María.

Arte Carolingio: Figurilla de Bronce de Carlo Magno

Arte Carolingio: Figurilla de Bronce de Carlo Magno

-Análisis Sensorial: en esta imagen se puede observar a un rey saliendo de una batalla o en un desfile con todo su honor sobre su caballo de una forma grande e imperial.

-Análisis de Contexto Sociológico: Cuando nos referimos al arte carolingio entendido como efecto de una renovación y un período de esplendor. Abarca desde mediados del siglo VIII a mediados del IX. Se consideró a los artistas como imitadores y reproductores de lo romano. Los especialistas tienen muchas veces serias dudas a la hora de distinguir entre una creación o una copia carolingia.

El arte carolingio surgió y se desarrolló en función de una sociedad que ideológicamente exigía una supeditación a los modelos romanos.

-Análisis Simbólico:  Los monarcas carolingios sintieron fascinación por la imagen ecuestre de los emperadores romanos, era una representación mayestática y triunfante que no dudaron en utilizar. Un pequeño bronce, conservado en el Louvre, nos muestra la imagen ideal de un emperador carolingio con vestiduras y símbolos de gala.

-Significado Ideológico: Se expresa muy bien la grandeza y soberanía que tenia Carlo Magno en especial en su pose y sobre su caballo se lo ve muy fuerte y decidido tal como quisiera este que fuera representado

-Análisis Formal o Estilístico: Los temas son geométricos y de gran sencillez

-Análisis Biográfico: La pequeña estatuita de bronce que se supone representa a Carlomagno tiene singular valor, pues no se conocen otras figuras de bulto completo Se ha discutido mucho sobre la fecha en que fue realizada esta figura, algunos historiadores apuntan a que se trata de la representación de un sucesor de Carlomagno, otros creen que la obra no es anterior al siglo XVI. Fue en 1935, tras numerosos estudios, cuando se concluyó que el caballo es grecorromano, el cuerpo del jinete bizantino y la cabeza carolingia. Gracias a la biografía que Eginardo escribió sobre Carlomagno, sabemos cual era la fisonomía del emperador: a pesar de la que comúnmente se cree, no llevaba barba , pero sí un largo bigote. Era un hombre alto y corpulento y vestía con sencillez, sin lujos ni ostentaciones

Arte Bizantino: Cristo bendecidor

Arte Bizantino: Cristo bendecidor

-Análisis Sensorial: Esta imagen da un contexto muy fuerte y una imagen impotente sobre el Dios que conocemos los Cristianos, dando la bendición a la vez que de esta forma transfiere mucha paz

-Análisis de Contexto Sociológico: El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI, fuertemente enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos, Bizancio se consideró como el continuador natural, en los países del Mediterráneo oriental, del Imperio romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es natural, a las grandes fases de su historia política. La pintura y los mosaicos bizantinos, más que su escultura, han tenido una singular importancia en la historia de las formas de representación plástica, por cuanto que han servido de puente a los modelos cristianos orientales hacia Europa, así como a la transmisión de las formas clásicas cuando en Occidente había desaparecido por la acción de los pueblos bárbaros, y por último, el arte bizantino ha sido la fuente principal en la fijación de la iconografía occidental

-Análisis Simbólico:  con el término pantocrátor se designa la imagen con que se representa al Todopoderoso, Padre e Hijo, es decir, Creador y Redentor. La figura, siempre mayestática, muestra a una u otra persona divina en similar actitud: con la mano diestra levantada para impartir la bendición y teniendo en la izquierda los Evangelios o las Sagradas Escrituras. 

-Análisis  Iconográfico: se trata del Padre, sostiene en sus rodillas a Cristo hijo.

-Significado Ideológico: Con pequeños trazos y siemples figuras se puede obtener una imagen muy fuerte por lo cual se cumple el deseo de promover la fuerza de un ser supremo solo al verla se siente esta fuerza y su bendicion

-Análisis Formal o Estilístico: Jesús rodeado de un aura de luz blanca (que simboliza la pureza), y se encuentra con las piernas cruzadas. En una de las manos tiene el dedo índice levantado y en la otra mano las Sagradas Escrituras. Se sitúa en el interior de una almentra (es decir, de un dibujo ovoidal) y está rodeado de los cuatro evangelistas u ocepas, uno en cada esquina. Esta imagen denota temor, mando e incluso miedo. 

Arte Paleocristiano: Alegoría del buen pastor

Arte Paleocristiano: Alegoría del buen pastor

-Análisis Sensorial: Al ver esta imagen se siente que la pintura es hacia las personas que hacen el trabajo duro en el campo y que por esto se le rinde un tributo por su gran trabajo y empeño en el cuidado de sus ovejas

-Análisis de Contexto Sociológico: El cristianismo nació en el mundo romano vinculado a la tradición judaica anicónica, que rechazó la representación de Dios y de los personajes de la Historia Sagrada.  Una fecha clave en la evolución de la comunidad cristiana es el año 313 d. C. fecha en la que fue promulgado el Edicto de Milán por el emperadorConstantino y que supuso la aceptación oficial de la nueva religión. El Edicto marca el límite entre un primer período en el que la Iglesia no gozó de libertad de culto y se desarrolló en la clandestinidad, y un segundo período en el que adquirió derecho a manifestarse públicamente. El Edicto de Tolerancia fue un instrumento de refuerzo del poder imperial

-Análisis Simbólico:  El tema del Buen Pastor muy representando en la iconografía del arte cristiano primitivo, aparece a partir del siglo II. Para esta representación, se va a tomar del arte pagano, como modelo a Orfeo, cuyo mito relata que encantaba a los animales con la lira. En el arte romano pagano, la figura del Buen Pastor con el cordero entre los brazos era un símbolo de filantropía, por ende esta creación cristiana esta hecha a partir de un símbolo de la filosofía moral romana.

-Análisis  Iconográfico:  El tema del Buen Pastor muy representando en la iconografía del arte cristiano primitivo, aparece a partir del siglo II

-Significado Ideológico: El Buen Pastor, para los cristianos, es una alegoría a Jesús, visto como el pastor que salva al cordero, que es una alegoría del alma cristiana, del alma del pecador que se ha salido del camino de la salvación.

-Análisis Formal o Estilístico: No persigue la representación en perspectiva, la corrección anatómica, la ambientación paisajística o arquitectónica de las escenas, la belleza formal sino la transmisión de un mensaje, la comunicación de los contenidos de fe. Esta nueva orientación, que marcará el arte medieval, lo que no significa la ausencia total de belleza, porque la herencia clásica grecorromana se mantiene en mayor o menos grado. El alejamiento del arte cristiano respecto al clásico no se produjo por ignorancia o degeneración, sino por necesidad de hacer patente lo invisible. En la medida en que disminuían los puntos de contacto entre la representación artística y la naturaleza material era más fácil sugerir lo suprasensible.

Esta desmaterialización de la imagen se realizó a través de un lenguaje convencional, mediante la reducción de la naturaleza a esquemas geométricos regulares y a movimientos estereotipados, la sustitución del espacio tridimensional por un único plano paralelo al del espectador, la sustitución de las luces y las sombras por una iluminación constante y difusa

Los mosaicos paleocristianos siguen la técnica romana; están realizados con teselas, pequeñas piezas cúbicas de piedra o cristal, de cerámica vidriada de intenso color.

-Análisis Biográfico: La representación del Buen Pastor comienza a desaparecer aproximadamente en el siglo V, debido a que ya Jesús comienza a representarse de manera más directa, con un rostro definido y no alegóricamente. En la Edad Media no se va a representar; pero en el siglo XVI reaparece este motivo en Francia y Portugal . Incluso un siglo antes, en el siglo XV hacia 1635, en la India aparece una escultura del Buen Pastor en marfil, cuya iconografía no tiene origen en Jesús sino en las representaciones de Buda. Esta asimilación de Buda al Buen Pastor fue hecha por misioneros portugueses. La representación del Buen Pastor comienza a desaparecer aproximadamente en el siglo V, debido a que ya Jesús comienza a representarse de manera más directa, con un rostro definido y no alegóricamente. En la Edad Media no se va a representar; pero en el siglo XVI reaparece este motivo en Francia y Portugal . Incluso un siglo antes, en el siglo XV hacia 1635, en la India aparece una escultura del Buen Pastor en marfil, cuya iconografía no tiene origen en Jesús sino en las representaciones de Buda. Esta asimilación de Buda al Buen Pastor fue hecha por misioneros portugueses.

Arte Romano: Loba capitolina

Arte Romano: Loba capitolina

-Análisis Sensorial: A primera vista se puede interpretar como la fidelidad y amor que dan los animales a los seres humanos y elcontatco entre especies

-Análisis de Contexto Sociológico: La ciudad de Roma surgió de los asentamientos de tribus latinas, sabinas y etruscas, situándose los primeros habitantes de Roma en las siete colinas, en la confluencia entre el río Tíber y la Vía Salaria, a 28 km del mar Tirreno. En este lugar el Tíber tiene una isla donde el río puede ser atravesado. Debido a la proximidad del río y del vado, Roma estaba en una encrucijada de tráfico y comercio.

Alrededor del siglo VIII a. C. los asentamientos se unificaron bajo el nombre de Roma Quadrata. La leyenda cuenta que Roma fue fundada por Rómulo el 21 de abril de 753 a. C. Rómulo, cuyo nombre se dice habría inspirado el nombre de la ciudad, fue el primero de los siete Reyes de Roma en haber sido elegido. Los historiadores romanos dataron la fundación en el 753 a. C., y desde esa fecha contaron su edad o calendario particular. Asimismo, también existe una teoría crítica de la fundación de Roma, aparte de la teoría legendaria. La teoría crítica, sostenida por muchos autores viene a decir que Roma surge a partir del forum romanum.

-Análisis Simbólico:  Luperca es el nombre de la loba que según la mitología amamantó a Rómulo y Remo cuando estos fueron mandados a matar por el rey Amulio. Actualmente la estatua dedicada a ella, llamada "la loba capitolina" (lupa capitolina en italiano), se conserva en el museo del Capitolio romano (Museos Capitolinos).

Según Tito Livio (Ab Vrbe Condita, 1, 4, 6-7), la leyenda de la loba podría en realidad encubrir la actuación de una prostituta, ya que la palabra lupa también hacía referencia a mujeres dedicadas al comercio de su cuerpo (de esta acepción proviene la palabra moderna lupanar).

-Análisis  Iconográfico: Lo que no se encuentra muy bien inscrito en la obra es el cuidado que la loba les da a los hermanos me refiero a que esta los crio del todo lo cual no se ve asi mas bien se ve una forma de cuidado no tan fuerte.

-Significado Ideológico: la loba que según la mitología amamantó a Rómulo y Remo cuando estos fueron mandados a matar por el rey Amulio.

-Análisis Formal o Estilístico: Se trata de una figura en bronce, de 75 centímetros de altura y 114 de anchura. Según la tradición, se trataría de una escultura etrusca, aunque recientemente se ha puesto en duda esta datación, demostrándose finalmente que ésta data de la Edad Media.

 Los dos niños se añadieron durante el Renacimiento y probablemente son obra del escultor Antonio del Pollaiuolo.

-Análisis Biográfico:  Bronce etrusco conocido como la Loba Capitolina (siglo VI a. C.). Las figuras de Rómulo y Remo se añadieron en el siglo XV. Ubicada en el Museo del Capitolio

Arte Griego: Hermes con Dionisio niño

Arte Griego: Hermes con Dionisio niño

-Análisis Sensorial: Al ver esta escultura  pensamos en un padre al cuidado de su hijo o llevándolo de paseo jugando con el con todo el amor que tiene  un padre al hijo

-Análisis de Contexto Sociológico: La cultura de Grecia tuvo una poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus territorios de Europa. La civilización de los antiguos griegos ha sido enormemente influyente para la lengua, la política, los sistemas educativos, la filosofía, la ciencia y las artes, dando origen a la corrienterenacentista de los siglos XV y XVI en Europa Occidental, y resurgiendo también durante los movimientos neoclásicos de los siglos XVIII y XIX en Europa y América. La civilización griega fue básicamente marítima, comercial y expansiva. Una realidad histórica en la que el componente geográfico jugó un papel crucial en la medida en que las características físicas del sur de la península de los Balcanes, por su accidentado relieve, dificultaban la actividad agrícola y las comunicaciones internas, y por su dilatada longitud de costas, favorecieron su expansión hacia ultramar.

-Análisis Simbólico: Hermes cuando llevaba a Dioniso a las ninfas de la montaña Nisa A lo largo del camino, Hermes, para distraer al pequeño Dioniso, agita un objeto con la mano derecha. Por lo tanto, se supone que Hermes llevaba en la mano un instrumento musical, o también podría ser que sujetara un racimo de uva. Según relatos de la mitología griega, Dioniso es el hijo del dios Zeus y Semele, una mortal, hija de Cadmo, rey de Tebas. Semele pidió a Zeus que le demostrase todo el poder que poseía, y Zeus, rey de los dioses, mostró con una gran fuerza de rayos y truenos todo su potencial. Al ver el gran poder de Zeus, Semele murió de la impresión y el miedo que le hizo sentir; entonces el dios que sabía que Semele estaba embarazada, le extrajo el feto que llevaba dentro suyo y se lo cosió en su pierna. Al cabo de seis meses, según el mito, nació Dioniso, es por esta razón por la que se conoce a Dioniso como «el dios nacido dos veces». Recién nacido fue confiada su custodia a Hermes, también hijo de Zeus, para protegerlo contra Hera y llevarlo para su cuidado a Atamante y su esposa Ino. Es posible que esta escultura se realizara como una alegoría de la paz entre los habitantes de Elis, que tenían a Hermes como patrón y Arcadia, que tenían por patrón a Dioniso

-Análisis  Iconográfico: Lo que no esta implícito en la obra es que Hermes es hermano de Dionisio y que lo están persiguiendo para quitarle su vida de una u otra forma por lo cual están escondiéndose de la maldad de Hera quien celosa por Zeus quiere matar a Dionisio.

-Significado Ideológico: el artista logra dar la sensación de que Hermes esta cuidando de Dionisio como se lo pidieron las expresiones de esta escultura hacen que se esntienda de mejor manera el mito en el que esta enmarcada la obra.

-Análisis Formal o Estilístico: Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxitélica han pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte de la escultura. Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxitélica han pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte de la escultura. El grupo está tallado en un bloque de mármol de Paros de la mejor calidad. Hermes mide entre 210 y 212 centímetros, y la obra completa con la base unos 370 centímetros. El pie derecho de Hermes está unido a un trozo de zócalo, que tiene agujeros que no encajan en la corona de la base, lo que hace pensar que refleja los cambios realizados en la estatúa en algún tiempo. Otras partes del grupo están igualmente separadas, y el tronco del árbol se adosa a la cadera de Hermes por la colocación de un puente.El rostro y el torso de Hermes se muestran con un perfecto pulido, casi brillante «al que han contribuido», comenta haciendo broma John Boardman, «generaciones de limpiadoras del templo».¹⁵ Sin embargo, en la espalda tiene las marcas de los golpes de raspa y del cincel y en el resto de la escultura sólo está pulida de manera parcial.

En los cabellos, desde su descubrimiento, se aprecian pequeñas huellas de cinabrio, un compuesto de sulfuro de mercurio de color rojo, que probablemente no es un color real, sino una preparación para el dorado. El color se encuentra en las correas de la sandalia del pie original, que también presenta restos de dorado; además, la sandalia tiene un dibujo de Heracles, que fue realizado en pintura, y que nace en el motivo tallado de las correas entre los dedos del pie. Los ojos y los labios eran probablemente de color rojo.

En la escultura se han hecho esfuerzos para una restauración de la máxima calidad y respetando la obra original. Así, en la versión que se conserva en el museo de Olimpia, Hermes no tiene los atributos clásicos de llevar un petasos en la cabeza, o bien de ir calzado con sandalias aladas. Que llevara un ornamento de una corona de hierba parece lo más probable. Con la mano izquierda sujetaba otro atributo: probablemente un caduceo. En general, el brazo derecho en alto de Hermes que le falta, ha sugerido diversas interpretaciones. Parece que el grupo es la representación del episodio mitológico. 

-Análisis Biográfico: Su autoría se atribuye al escultor Praxíteles del período clásico final o bien, según otros autores, a una copia del siglo I de un original del mismo artista del 350-330 a. C. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en lamitología griega. Praxíteles (en griego antiguo Πραξιτέλης) fue uno de los grandes escultores griegos, que vivió y fue un representante destacado de la escuela ática durante la parte central del siglo IV a. C.Reconocido en su época y también posteriormente los romanos eran conocedores y admiradores de su obra. Su biografía es bastante desconocida, en este sentido las fuentes son incluso contradictorias. Perteneció a una dinastía de escultores su abuelo el llamado «Praxíteles el Viejo» había trabajado con Fidias en la Acrópolis de Atenas. Praxíteles (llamado como su abuelo) era hijo del también escultor Cefisodoto el Viejo del que nos ha llegado una escultura original el grupo de Eirene y Pluto llamado de La paz y la riqueza, obra en la que puede haber cierta inspiración para el Hermes con el niño Dioniso.

Praxíteles posiblemente nació alrededor del año 400 a. C. También se sabe que trabajó enAtenas, donde tenía un taller y que era de la misma época que Lisipo y Escopas de Paros, con los que formó el trío de escultores más representativos de la segunda fase del clasicismo.

Se cree que mantuvo relaciones con la cortesana tespia Friné, que habría hecho de modelo para su escultura la Afrodita de Cnido. Plinio el Viejo sitúa su apogeo artístico después de la 104. olimpiada (esto es, en 364 a 361 a. C.) y señala que Eufránor fue un escultor contemporáneo suyo. Pocas son las obras que se pueden considerar originales de Praxíteles, y con muchas dudas sobre su autoría: Hermes con Dionisio niño está considerada generalmente como obra original del artista.